Молли Хесс. Фото любезно предоставлено Hess. Творчество - это, безусловно, нагруженное слово со многими возможными значениями. Многие секторы современного мира начали понимать его важную роль в инновациях и продвижении миссии вперед - таким образом, выходя за рамки искусства. В самом искусстве силы негативной конкуренции и ограниченные ресурсы могут препятствовать открытому творчеству, которое так необходимо для того, чтобы искусство двигалось вперед.
Танец, безусловно, не застрахован как вид искусства, который, возможно, наименее понятен и поддерживается более широкой современной культурой. Танец растет и процветает (или не достигает этого) в сообществах и культурах в танцевальных студиях, коллективах, площадках для выступлений и т. Д.
Как мы создаем и поддерживаем творческую культуру? Почему это важно в первую очередь? Чтобы исследовать эти вопросы,Танцевальная информацияпоговорил с Питером ДиМуро (исполнительным директором Dance Complex, Кембридж, Массачусетс, и резидентом-хореографом в Музее Изабеллы Стюарт Гарднер, Бостон, Массачусетс), Молли Хесс (директором по программированию и образованию в Green Street Studios, Кембридж, Массачусетс) и Джулией Амарал (педагог-исполнитель в танцевальной студии Center Stage, Плимут, Массачусетс).
Питер ДиМуро.
Чтобы помочь чему-то расти и процветать, нужно иметь четкое представление о том, что это такое. Ну и что является креативность? ДиМуро считает, что это нужно освещать, а не учить. Что ему больше всего интересно, так это творческий подход к преодолению ограничений. «Когда в жизни у вас нет ограничений?» - риторически спрашивает он.
Барри Ван Дайк 2017
Гесс рассматривает творчество как процесс, связанный с «любопытством и игрой…. Часто начинается с« а что, если », а затем берет мысль / вопрос / образ, чем бы он ни был, и находит способ воплотить это во что-то в мир через любую среду ». В частности, что касается танца, для Амарала творчество - это «способность воспринимать абстрактные / подсознательные мысли, идеи и чувства и преобразовывать их в осязаемые движения».
ДиМуро считает, что творческая культура открыта для творческого решения проблем. В качестве примера он ссылается на то, что произошло в танцевальном мире в 2008 году: многие компании разорились, и это «заставило [танцевальный мир] создавать новых моделей». Креативность также достигается благодаря тому, что мы остаемся внимательными к нюансам нашего повествования - что, для кого и когда. «Мы должны рассматривать все это как экосистему», - утверждает ДиМуро.
В этой экосистеме мы поддерживаем и ценим вклад самых разных авторов, а не только тех, кого мы традиционно «ставим на пьедестал», - объясняет он. ДиМуро ссылается на исследования, демонстрирующие, что использование выделенных художественных ресурсов местным организациям и отдельным художникам может способствовать благополучию более широкой экосистемы искусства. Он цитирует Культурно-массовый совет как организация, которая делает это хорошо.
Молли Хесс. Фото любезно предоставлено Hess.
Хесс считает, что люди, «появляющиеся» в максимально возможной степени «с непредвзятостью и искренним любопытством», помогают развивать творческую культуру. Она объясняет, как при просмотре спектаклей или на занятиях она хочет, чтобы артисты «преуспели, а я пытаюсь понять, откуда они пришли и что они пытаются сделать». Она добавляет, что «это не значит, что мне это должно нравиться, но я собираюсь увидеть, что в нем работает». Это согласуется с точкой зрения ДиМуро о создании пространства для самых разных творцов, творений и способов творчества.
Хесс продолжает рассказывать о том, как она восхищается и уважает творческие культуры, с которыми она взаимодействовала, в которых «не ожидалось, что мой прогресс будет линейным или что мои художественные работы будут выглядеть так же, как и другие люди… [где] они почти одинаково ценят строгость и игру, и где мы все готовы дать то, что можем дать, и получить все знания, которые мы можем ».
Джоффри Маверикс из американского танца
В этом доброжелательном духе она цитирует программы, которые поддерживают рост творческой культуры, потому что они «приглашают всех показать работы и побуждают аудиторию подходить к их просмотру непредвзято». Они также «бесплатные или очень дешевые, поэтому они также являются хорошим местом, чтобы потратить час, рискнуть и увидеть то, чего вы в противном случае не увидели бы», - говорит она.
Амарал считает, что «танцы в первую очередь для себя , и из чистой любви к нему »способствует здоровой творческой танцевальной культуре. Усердно работать над техникой, но не добиваться того, чтобы она была «конечной целью», - это часть духа «делать это ради любви». Описывая студию, в которой она выросла, танцуя, которая, по ее мнению, придерживается такого же отношения, она делится тем, что «нас учили, что танец [основан] на страсти и самовыражении и может использоваться как выход для всего в жизни. Наши конкурсные программы можно было бы легко превратить в концертные танцевальные шоу, потому что мы никогда не пытались ассимилироваться с другими студиями. Творчество и концепции всегда были на первом месте ».
Учитывая все это, что не так полезно для творческих культур? Хесс считает, что быть скрытным, закрытым от других художников и сосредотачиваться на разногласиях по общим соображениям нехорошо для творческих культур. ДиМуро указывает Текущий социально-политический климат Америки как удушающий для творчества. Амарал считает, что «неуверенность в себе и самосознание» сильно подавляют творчество.
Юлия Амарал. Фото Эмили Сантанджело.
иван марич
«В тот момент, когда вы сомневаетесь в своей работе или беспокоитесь о том, как она будет воспринята, творчество отходит на второй план, [потому что] вы инстинктивно начнете ставить безопасные вещи, которые, как вы знаете, люди уже принимают», - утверждает она, добавляя, что вы можете «Не выставляйте себя напоказ, если сомневаетесь в своей работе». Учитывая это, обучение художников, администраторов и других лиц, занимающих влиятельные должности в творческих сообществах, должно делать все возможное, чтобы укрепить у художников уверенность и здоровое самосознание, а не разрушать эти вещи в них каким-либо образом.
Амарал считает, что все это верно для всех видов искусства, а не только для танцев. «Независимо от того, какое искусство или среда, для меня творчество на самом деле связано с сильным самоощущением. Когда вам действительно все равно, что думают другие, вы можете проявить себя самым искренним и творческим человеком. И это прекрасное чувство! ' она заявляет.
Однако Хесс считает, что танцевальным артистам это немного сложнее.Будучи вовлеченной в мир рок-музыки, она может сказать, что танцорам и хореографам нужно пространство для репетиций и выступлений, которое другим артистам не обязательно. Кроме того, танцоры не могут просто выступать в баре, как рок-музыканты. Вообще говоря, у танцевальных артистов есть несколько более ограниченный диапазон простых и экономически эффективных контекстов выступления.
Это бесспорно, что танец экосистема имеет значительные проблемы. Этот продуманный, изобретательный, непредубежденный подход, а также воспитание творческого голоса отдельных актеров в рамках отдельных культур танцевальной экосистемы может сохранить творческий потенциал в рамках этих культур и всей экосистемы в целом. Вперед, танцуем!
Кэтрин Боланд из Данс информирует.
Рекомендуется для вас
